Nasce come reazione alla tradizione romantica europea del XIX secolo. In Germania, nel 1919, Paul Bekker coniò per la musica contemporanea la definizione di Neue Musik, cioè "nuova musica", come titolo di una sua lezione sulle tendenze della musica del suo tempo. Fra i sinonimi di musica contemporanea possiamo annoverare musica d'avanguardia, musica d'oggi e musica sperimentale.

Il dibattito sull'uso della definizione è ancora aperto. Alcuni comprendono in questa categoria tutta la musica composta ai giorni nostri, indipendentemente dallo stile adottato, mentre altri ne focalizzano l'uso sulla musica d'avanguardia. Altra differenza consiste nell'includere nella musica contemporanea tutta la musica composta nel e nel XXI secolo, o solo quella composta da autori viventi.

«Un tempo nella definizione di musica contemporanea si comprendeva la tendenza alla ricerca e alla sperimentazione, poi si è cominciato a definire contemporanea qualsiasi forma d'espressione musicale che appartenesse al nostro tempo. Allora si è passati a definire questo tipo di ricerca come musica d'arte, ma adesso si tende a chiamare musica d'arte anche il rock, il jazz e la canzone d'autore. Nutro il massimo rispetto per questi generi musicali, per il talento e la professionalità degli autori di tante belle canzoni, quelle che restano nel cuore e accompagnano le nostre vite. Ma questo continuo slittamento del senso delle parole mi inquieta, nella musica e non solo. »
Luciana Pestalozza, in "Milano, laboratorio musicale del Novecento. Scritti per Luciana Pestalozza"

Questi gli artisti selezionati per la terza edizione:

Corrado Abate, Mario Airò, Davide Baroggi, Emma Ciceri, Marco Di Giovanni, Francesco Diluca, Piero Fogliati, Michela Forte, Mario Francesconi, Ettore Frani, Leonora Hamill, Christiane Löhr, Piero 1/2botta, Klaus Mehrkens, Sabrina Mezzaqui, Guido Nosari, Agostino Osio, Arnulf Rainer, Davide Rivalta, Aldo Rossi, Danielle Sassoon, Elisabetta Tagliabue e Massimo Uberti.

Un successo, quello dell’AIFF, pienamente confermato dalla presenza ad Acquedolci, nella rinnovata location della Pineta "Giovanni Falcone", di un gran numero di registi, produttori, tecnici, ospiti e componenti la Giuria di qualità internazionale (tra questi ultimi, il regista tunisino Haikel Rahali e l’attore Tony Palazzo), nonché dall’interesse del folto ed attento pubblico, intervenuto ai cicli di proiezione dal 26 al 28 agosto.

L'elenco completo dei vincitori dell’AIFF 2011 si trova sul sito ufficiale dell’evento, www.psycholand.it

Dallo sguardo eclettico dell’artista Christian Rainer, l’area archeologica di Himera – nella difficile e maltrattata zona industriale di Termini Imerese – prende vita trasformandosi in un set per una performance gestuale e intimista; attraverso un rapporto empatico e ancestrale con gli antichi resti di templi, strade e abitazioni, immersi in una natura che ciclicamente li nega alla vista, il lavoro riflette sui temi della memoria storica, della nascita e della morte, quali componenti intrinseche al lavoro dell’archeologo e al suo decifrare una civiltà dai frammenti erratici che ne rimangono.

Un giusto mix tra realtà, leggenda e tradizioni, con i lamentatori di Assoro, e finale a sorpresa

Where what is within
di Fabio Bianchini
(Italia, 2010, 4:16)

Per il gusto delicato con cui è reso in musica ed immagini l’effimero, restituito nella sua forma di quesito impalpabile ma perpetuamente ridondante sulla sopravvivenza della memoria.

Leo Gullotta e una straordinario gruppo di giovani e giovanissimi sono stati impegnati in questa piccola grande avventura per il cinema. Dal piccolo Francesco Esposito ad Ernesto Cunto impegnati ad affiancare il grande attore italiano nell’interpretazione della sceneggiatura (curata oltre che dal regista, anche dalla scrittrice Giusi Marchetta, autrice dell’omonimo racconto da cui è tratto il cortometraggio) ad una moltitudine di professionisti, tecnici e volontari, provenienti da tutta Italia.
Tutti uniti da un solo sogno: realizzare questo film breve delicato ma di grande impegno. E una intera comunità intorno con l’affetto, il calore e l’allegria di queste parti.

Anche noi di anothertv eravamo lì, a seguire ogni giornata di lavoro, ogni palpitazione; a testimoniare la fatica e l’entusiasmo. Per raccontare attraverso le nostre pillole, videointerviste quotidiane, i protagonisti di questo lavoro ed il lavoro stesso, in ogni sua fase.

In attesa di vedere il film... godetevi il backstage: anothertv porta in anteprima frammenti di CORTI a casa vostra

Parlare dei luoghi in cui viviamo, parlare delle nostre città non è più possibile se non teniamo conto che dentro di esse ci sono pezzetti di infinite altre altre città e di infinite altre culture.

Le cattedrali sono i luoghi dove una città ci rivela qualcosa in più di sé, e dove cominciamo a capire che cosa in essa ci attira o ci fa paura. L'incontro con la diversità, la necessità di raccontare, l'altro passa attraverso la nostra quotidianità e non più in viaggi in mondi diversi che ormai non esistono più
(Luca Doninelli)

Il Muro del Pianto a Gerusalemme e Harrods a Londra, la Città Proibita a Pechino e il Grand Central Terminal di New York, Les Halles a Parigi e la Sagrada Família a Barcellona... Tutti edifici in cui si condensa lo spirito di una città: quando siamo lì, noi e quel luogo ci sentiamo una cosa sola. Perché in quei luoghi avvertiamo – o ci pare di avvertire – qualcosa che va al di là di noi, e che in qualche misura ci trascende.

Non importa se tra quelle pareti si onora un dio. L'importante è che questi luoghi ci impongono un diverso punto d'equilibrio nel rapporto tra noi e lo spazio circostante: perché lì vibra la vita, con le strade e le case intorno.
Perché lì sono arrivati, per secoli o millenni, i pellegrini, e ora arrivano i turisti, la loro incarnazione moderna.

Perché lì s'incontrano e si scontrano la terra su cui camminiamo e l'azzurro del cielo: un cielo che a volte incombe su di noi e ci schiaccia, mentre altrove sembra attrarre a sé quegli edifici, e noi con loro.

Quella che conduce Luca Doninelli è una straordinaria riflessione sul paesaggio: il paesaggio urbano, innanzitutto, ancora più cruciale ora che oltre la metà della popolazione mondiale vive nelle città. Ma ci insegna a fotografare anche il paesaggio umano, e l'orizzonte culturale in cui viviamo oggi, disorientati e curiosi. Cattedrali è dunque anche un'educazione allo sguardo, che allarga la prospettiva: per farci cogliere meglio, raccontando questi luoghi e le loro storie, il rapporto che lega la storia dell'umanità al senso più profondo dell'esistenza per ciascuno di noi.

Per motivi di lavoro non ha potuto essere presente a Sant'Agata de' Goti per le riprese, ma anothertv l'ha raggiunta a Torino per parlare con lei del suo libro e della sua esperienza come sceneggiatrice.

Da oggi "Corti" prenderà vita, scena dopo scena, ciak dopo ciak

Alla fine il corto viene realizzato grazie ad un finanziamento privato.

Artisti: Gianantonio Abate, Salvatore Anelli, Angelo Barile, Enzo Bersezio, Ennio Bertrand, Corrado Bonomi, Domenico Borrelli, Alessandro Bulgini, Carmine Calvanese, Francesco Correggia, Ferruccio D’Angelo, Aldo Damioli, Domenico David, Matilde Domestico, Roberta Fanti, Octavio Floreal, Carlo Gloria, Paolo Grassino, Ale Guzzetti, Enrico Iuliano, Ernesto Jannini, Iler Melioli, Giordano Montorsi, Amira Munteanu, Pietro Mussini, Leonardo Pivi, Plumcake, Gianfranco Sergio, Valerio Tedeschi, Silvano Tessarollo, Adrian Tranquilli, Natale Zoppis. 

A Casa Testori Mastrovito realizza la sua personale più ambiziosa, invadendo le 20 stanze della casa con disegni, collage, videoanimazioni, installazioni e interventi site-specific sui muri e gli ambienti della casa. Il titolo, Easy come, easy go (Così come vengo, così me ne vado) è un verso di Bohemian Rhapsody, la celebre canzone dei Queen protagonista di una delle stanze, oltre che degli ultimi mesi di vita di Giovanni Testori; il verso, traducibile anche con "mi lascio trasportare, sono un indolente" è stato scelto dall'artista come espressione della giovinezza in genere, del proprio carattere e della condizione dell'artista a Casa Testori, chiamato a fare i conti con un luogo magico e pieno di storia.

Mastrovito al pian terreno si soffermerà su alcune delle opere realizzate negli ultimi anni, mostrando al pubblico per la prima volta le radici nascoste del suo lavoro in un'inedita raccolta di 26 autoritratti a matita. Ogni stanza riserverà una scoperta e, grazie alle celebri installazioni di libri ritagliati, un'aiuola fiorirà nella stanza del camino, una biblioteca virtuale di fotocopie ritornerà nella biblioteca testoriana mentre la drammatica video-installazione Johnny colmerà di emozioni il grande salone della casa. Molte saranno le novità proposte da questo artista così versatile e capace di non lasciare indifferenti i grandi curatori di mostre come i semplici visitatori. Molti gli interventi appositamente realizzati e, al primo piano, grazie ad incisioni sul muro che disegnano la figura umana attraverso gli strati d'intonaco e vernice accumulatosi nei 100 anni di vita della casa, Mastrovito farà venire a galla la storia di questo luogo e il visitatore verrà "accompagnato" dalla presenza del padrone di casa: Giovanni Testori.

La mostra è curata da Julia Draganovic, responsabile di importanti rassegne internazionali come Art Miami (2009-2010) e Art First (2010-2011), nonché direttrice artistica d'istituzioni pubbliche, come il Chelsea Art Museum di New York (2005-2006) e del PAN - Palazzo delle Arti Napoli (2007-2008).

Chi ci segue, sa che da sempre tra i valori che cerchiamo di comunicare ci sono delicati temi sociali.
Il nostro percorso culturale personale e quello della nostra webTV si incrociano oggi con il percorso di un'altra bella realtà, orientata all'impegno civile, con passione e professionalità, dando vita ad una storia che Anothertv ha deciso di cucire a doppio filo con la casa di produzione casertana.
Accade infatti che i due componenti della tv sposano un progetto cinematografico e ne integrano lo sviluppo.

Melina Condurso, architetto, già anima di Anothertv, è la scenografa di Corti, un cortometraggio tratto da un racconto di Giusi Marchetta, per la regia di Angelo Cretella e con la straordinaria partecipazione di Leo Gullotta nei panni del protagonista.

Anothertv, grazie alla professionalità di Andrea Gorla, suo fondatore, seguirà tutto il back-stage del cortometraggio, mettendo online ogni giorno immagini e videointerviste ai protagonisti di questa ambiziosa avventura. Per condividere con voi il racconto del percorso di una storia fatta di belle persone e di grande entusiasmo e voglia di costruire, con impegno, un progetto serio.

Ad aprire la serie di interviste, Angelo Cretella, il giovane regista di Corti, già autore di DisAbili, il pluripremiato corto che Anothertv ha recentemente presentato: ci presenterà il progetto la sua collaborazione con Giusi Marchetta e ad introdurci alla stessa sorprendente trama del cortometraggio.

Il 28 marzo 2011 è la data di pubblicazione del rapporto di Amnesty International sulla pena di morte nel 2010.

 Se vuoi approfondire l'argomento vai sul sito di Amnesty International sezione italiana

Il libro si occupa principalmente del Museo di Palazzo Branda Castiglioni, comunemente chiamato Palazzo Branda, un edificio costruito tra il XIV e il XV secolo, antica dimora del cardinale da cui prende il nome.

Ma nel volume si cerca anche la chiave di lettura del rapporto del Palazzo con il borgo, con la piazza in cui si affaccia, e anche con altri luoghi del varesotto (Varese, Venegono Superiore, Fagnano Olona, Tradate e Castelseprio), affrontando per la prima volta una lettura del tutto nuova, e indagando una relazione difficile da leggere in modo immediato per la scarsa sopravvivenza di testimonianze di dimore e opere d'arte di un tempo.

Il cortometraggio "DisAbili" del regista succivese Angelo Cretella, ha vinto, al Giffoni Film Festival, il prestigioso premio riservato da Amnesty International all'opera che meglio parla di diritti umani.

Realizzato da una piccola casa di produzione indipendente la Blow up film che ha sede nella provincia di Casera, DisAbili è nato dalla penna di Giusi Marchetta, vincitrice del premio Calvino 2007, una scrittrice emergente che firma la sceneggiatura del cortometraggio.

"Abbiamo scelto di parlare di disabilità piuttosto che delle emergenze della nostra terra, come camorra o immondizia, per evidenziare gli ostacoli che ogni giorno affrontano le persone disabili, spesso dovuti anche ai nostri comportamenti - spiega il regista Angelo Cretella -. Lo abbiamo fatto con una commedia, ribaltando i ruoli e "sconvolgendo" le parole. Così, per esempio, è il disabile ad aiutare il ragazzo in difficoltà e "disAbili" si scrive con la A maiuscola».

DisAbili, 2010
una produzione Blow up film

Regia: Angelo Cretella
Sceneggiatura: Giusi Marchetta
Fotografia: Alessandro Lanciato
Direttore esecutivo: Luigi Mozzillo
Operatore: Antonio Iodice
Fonico presa diretta: Fabio Sorrentino
Montaggio: Andrea de Fabrizio

con Peppe Miale, Annarita Ferraro, Massimo De Matteo e Burro 

Il MAGA di Gallarate ospita le opere di Giacometti dal 5 marzo al 5 giugno, in una mostra organizzata e prodotta dalla Fondazione Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea Silvio Zanella, presieduta da Angelo Crespi, con la direzione di Emma Zanella.

La mostra è curata da Michael Peppiatt, autore di "In Giacometti's Studio", libro nel quale documenta la ricognizione da lui compiuta nell'archivio prima inesplorato di uno dei rami della famiglia, ricognizione che è alla base anche di questa preziosa rassegna.

Gli eredi di Giacometti hanno accordato a Michael Peppiatt il permesso di esaminare la loro collezione: "E' un materiale - afferma Peppiatt - che getta nuova luce sul modo di lavorare di Giacometti, «afflitto» da una specie di compulsione al bozzetto. Tanto da schizzare sulla prima pagina di France Soir dei nudi di Christine Keeler, la showgirl che fece tremare l'establishment britannico degli anni Sessanta quando venne riconosciuta come l'amante del Tory John Profumo. Il quotidiano, datato 1963, portava in prima pagina un articolo sul piccante affair. Corrispondenza che, evidentemente, ispirò l'artista svizzero solleticando il suo bisogno di disegnare. «C'è un qualcosa di intimo in questi lavori», ha detto all'Observer Peppiatt. «Mi hanno permesso di spaziare fra 300 disegni, ed ero commosso. Sentivo quasi la presenza di Giacometti, come se i suoi schizzi stessero cadendo direttamente dalle sue mani.

Ha schizzato ovunque: sulle pagine dei libri, come su pezzi di carta presi nei caffè». Un altro esempio di questi sketch improvvisi si trova su una pagina strappata da L'Express in cui l'artista pasticciò la fotografia di Lee Harvey Oswald, l'assassino del presidente John Kennedy. Di fianco, poi, Giacometti scrisse ripetutamente la parola italiana «continuare», oltre che un appunto di lavoro: «i busti sono stati fatti velocemente, e un dipinto questa sera, i disegni presto». «Gli sketch - spiega ancora Peppiatt - erano per lui una forma di pensiero istintivo. Non stava mai senza una matita in mano o una sigaretta in bocca».

Le sculture ritraggono i modelli preferiti di sempre: il padre, la madre, la moglie Annette, la sorella Ottilia, il nipote Silvio e i fratelli Diego e Bruno. Il ritratto del 1937 di quest'ultimo, per esempio, si rivela attraverso un modellato tormentato che prova la difficoltà di trovare una forma che corrisponda alla visione, evidentemente non in senso ottico-scientifico, della figura umana. Sempre del 1937 è il busto Ottilia, scolpito dopo la tragica morte della sorella e forse per questo, esempio prematuro di quella fase riduzionista che Giacometti attraversa negli anni quaranta: in questo periodo le figure diventano piccolissime, fino quasi a scomparire sopra lo stesso piedistallo. Un secondo gruppo propone invece un campione rappresentativo dei lavori del dopoguerra: figure intere maschili e femminili, un Homme qui marche, una Femme debout del 1952 a figura intera immobile, corrosa ed evanescente, una Femme de Venise e diversi busti della moglie Annette.

I dipinti infine, rimarcano la dimensione familiare seguita anche nella produzione scultorea con ritratti di Ottilia, del nipote Silvio e degli amici Jacques Dupin e il Professor Corbetta, tutti ritratti in posizione frontale, evanescenti come i quadri di Bacon.

Le opere scelte coprono l'intero percorso della ricerca artistica di Giacometti, benché molti aspetti della mostra puntino verso un Giacometti intimo, com'è lecito attendersi da una collezione di proprietà della stessa famiglia Giacometti.

Un'ampia sezione documentaristica completa la mostra. Vi sono presentate immagini fotografiche che ritraggono l'artista al lavoro e che raccontano delle sue frequentazioni, per far rivivere una personalità artistica d'eccezione. 

Per l'uomo di oggi che non spera più nella salvezza alla fine dei tempi ma ha davanti a sé un tempo senza fine, navigare in mare aperto sembra ormai diventato l'unico modo di vivere. Ma quale rotta seguire, dopo il tramonto di ogni certezza e il declino della tradizione giudaico-cristiana in Occidente, due segni distintivi della nostra epoca? Al termine di un lungo e originale itinerario di riflessione sulla modernità, Salvatore Natoli analizza le varie forme del fare (il lavoro, il consumo, il progresso, il rischio) e il loro rapporto con quello che dovrebbe essere il vero obiettivo di ogni essere umano: un buon uso del mondo. Partendo dalla distinzione aristotelica tra "agire" (dare un senso alle proprie azioni) e "fare" (eseguire un compito), l'autore si chiede quanto, nella nostra frenetica attività quotidiana, siamo "agenti", soggetti capaci di realizzarsi in ciò che fanno, e quanto invece siano "agiti", elementi impersonali di una serie causale e anonima di cui non si vede né l'inizio né la fine.

Forse l'unico "scandalo" della condizione umana è che questo mondo risulti conoscibile da quel piccolo abitatore che è l'uomo. Là dove non arriva il senso comune, che ci lascia appagare dalle apparenze, comincia l'impresa scientifica che pretende di svelare le strutture soggiacenti al mondo dei fenomeni. Dove la speculazione della scienza ci lascia insofddisfatti, interviene la tecnica con le sue enormi capacità di manipolazione. Carlo Sini valuta questi tre momenti (senso comune, scienza e tecnica) che costituiscono l'avventura che chiamiamo conoscenza.

CARLO SINI
È stato titolare della cattedra di Filosofia Teoretica presso l'Università Statale di Milano dal 1976 al 2009. È membro dell'Accademia dei Lincei e dell'Institut International de Philosophie di Parigi. Di formazione fenomenologica, ha introdotto in Italia lo studio del pensiero pragmatista americano per poi sviluppare la sua ricerca prevalentemente attorno alle filosofie di Peirce ed Heidegger, nel tentativo di far convergere, sul filo dell'ermeneutica, il pensiero di questi. La sua proposta teoretica si è analogamente concentrata sul tema della scrittura e del segno come forme logiche del pensiero occidentale. Tra le sue numerose opere si ricordano in particolare: Il pragmatismo americano (1972); Immagini di verità. Dal segno al simbolo (1985); Teoria e pratica del foglio - mondo (1997); Idoli della conoscenza (2000); Figure dell'enciclopedia filosofica (2004-2005); Eracle al bivio. Semiotica e filosofia (2007) e L'uomo, la macchina e l'automa: lavoro e conoscenza tra futuro prossimo e passato remoto (2009). 

UMBERTO GALIMBERTI: Nato a Monza nel 1942, Umberto Galimberti è stato dal 1976 professore incaricato di Antropologia Culturale e dal 1983 professore associato di Filosofia della Storia. Dal 1999 è professore ordinario all'università Ca' Foscari di Venezia, titolare della cattedra di Filosofia della Storia.
Nelle sue opere più importanti come Heidegger, Jaspers e il tramonto dell'Occidente (1975), Psichiatria e Fenomenologia (1979), Il corpo (1983), La terra senza il male. Jung dall'inconscio al simbolo (1984), Gli equivoci dell'anima (1987) e Psiche e techne. L'uomo nell'età della tecnica (1999), Galimberti indaga il rapporto che effettivamente sussiste tra l'uomo e la società della tecnica. Memore della lezione di Emanuele Severino (di cui è stato allievo) e di Heidegger, Galimberti sostiene che nelle condizioni attuali l'uomo non è più al centro dell'universo come intendeva l'età umanistica: tutti i concetti chiave della filosofia (individuo, identità, libertà, salvezza, verità, senso, scopo, natura, etica, politica, religione, storia) dovranno essere riconsiderati in funzione della società tecnologica attuale. Al centro del discorso filosofico di Galimberti c'è la tecnica, che secondo il filosofo è il tratto comune e caratteristico dell'occidente. La tecnica è il luogo della razionalità assoluta, in cui non c'è spazio per le passioni o le pulsioni, è quindi il luogo specifico in cui la funzionalità e l'organizzazione guidano l'azione. Noi continuiamo a pensare la tecnica come uno strumento a nostra disposizione, mentre la tecnica è diventata l'ambiente che ci circonda e ci costituisce secondo quelle regole di razionalità (burocrazia, efficienza, organizzazione) che non esitano a subordinare le esigenze proprie dell'uomo alle esigenze specifiche dell'apparato tecnico. Tuttavia ancora non ci rendiamo conto che il rapporto uomo-tecnica si sia capovolto, e per questo ci comportiamo ancora come l'uomo pre-tecnologico che agiva in vista di scopi iscritti in un orizzonte di senso, con un bagaglio di idee e un corredo di sentimenti in cui si riconosceva. Ma la tecnica non tende a uno scopo, non promuove un senso, non apre scenari di salvezza, non redime, non svela verità: la tecnica funziona e basta. Il punto cruciale sta nel fatto che tutto ciò che finora ci ha guidato nella storia (sensazioni, percezioni, sentimenti) risulta inadeguato nel nuovo scenario. Come "analfabeti emotivi" assistiamo all'irrazionalità che scaturisce dalla perfetta razionalità dell'organizzazione tecnica, priva ormai di qualunque senso riconoscibile. Non abbiamo i mezzi intellettuali per comprendere la nostra posizione nel cosmo, per questo motivo ci adattiamo sempre di più all'apparato e ci adagiamo sulle comodità che la tecnica ci offre. Ciò di cui necessitiamo è un ampliamento psichico capace di compensare la nostra attuale inadeguatezza. Inadeguato non è solo il nostro modo di pensare, inadeguata è anche l'etica tradizionale (cristiana e kantiana in particolare): le diverse etiche classiche, infatti, ponevano l'uomo al centro dell'azione, per cui Kant dice di non trattare l'uomo come mezzo ma sempre come fine. Ma oggi questo è smentito dai fatti dell'apparato, infatti l'uomo (per usare un'espressione di Heidegger) è la materia prima più importante, è ciò di cui la tecnica si serve per funzionare. La scienza , da quando è al servizio della tecnica e del suo procedere, non è più al servizio dell'uomo, piuttosto è l'uomo al servizio della tecno-scienza e non solo come funzionario dell'apparato tecnico come gli esponenti della Scola di Francoforte andavano segnalando sin dagli anni '50, ma come materia prima. L'etica, di fronte alla tecnica, diventa pat-etica, perché come fa a impedire alla tecnica che può di non fare ciò che può? E l'etica, nell'età della tecnica, celebra tutta la sua impotenza. Infatti, finora abbiamo elaborato delle etiche in grado di regolare esclusivamente i rapporti tra gli uomini. Queste etiche, religiose o laiche che fossero, controllavano solo le intenzioni degli uomini, non gli effetti delle loro azioni, perché i limiti della tecnica a disposizione non lasciava intravedere effetti catastrofici. Anche l'etica della responsabilità che affiancò l'etica dell'intenzione (Kant) ha, oggi i suoi limiti. A formularla fu Max Weber (poi la riprese Jonas nel suo celebre teso Il principio di responsabilità) che però la limitò al controllo degli effetti "quando questi sono prevedibili". Sennonché è proprio della scienza e della tecnica produrre effetti "imprevedibili". E allora anche l'etica della responsabilità è costretta a gettare la spugna. Oggi siamo senza un'etica che sia efficace per controllare lo sviluppo della tecnica che, come è noto, non tende ad altro scopo che non sia il proprio potenziamento. La tecnica, infatti, non ha fini da realizzare, ma solo risultati su cui procedere, risultati che non nascono da scopi che ci si è prefissi, ma che scaturiscono dalle risultanze delle sue procedure.

CRISTINA BORACCHI: da alcuni anni si occupa delle intersezioni fra cinema e filosofia, guidando sperimentazioni didattiche e formazione docenti in collaborazione con l'IRRE Lombardia e con la Sillsis dell'Università Statale di Milano. Ha collaborato, fra gli altri, con la Università Cattolica del Sacro Cuore per la redazione del Dizionario di Politica della Jaca Boock e con il Museo del Risorgimento di Milano per la organizzazione del Bicentenario Rosminiano a Milano.Dopo avere conseguito borse di ricerca sul tema dall'istituto Per gli Studi Filosofici e Giuridici di Napoli e dall'IRRE Lombardia, ha pubblicato molteplici saggi su riviste specializzate quali Informazione Filosofica, école, Magazzino di Filosofia, Aggiornamento sociali e Comunicazione filosofica, rivista telematica della SFI. Collabora regolarmente con Il Buscadero e recentemente è intervenuta nella redazione dl manuale di filosofia della Loescher editori e ha contribuito con un saggio su Greenaway al volume "Corpo a corpo Il cinema e il pensiero" (Ed. Falsopiano). È ideatrice e progettista del Filosfarti Festival di Filosofia da sei anni.

Una mostra in una casa. Non una casa qualsiasi, una borghese di primo ' 900, che sorge a fianco della la fabbrica tessile dei Fratelli Testori. Proprio davanti i binari delle Ferrovie Nord, che vedevano andare e venire ogni giorno lo stesso Giovanni Testori, pendolare d’eccezione verso Milano. E’ la a sua casa. Qui nasce nel 1923, terzo di sei fratelli, e qui vive quasi tutta la sua tormentata vita, fino al 1993, quando muore di cancro. Da allora la sua casa rimane disabitata.

In occasione delle celebrazioni del decimo anniversario della sua morte, l’Associazione Testori decide di aprirla al pubblico con la mostra “Testori a Novate”.

In quell’occasione iniziò a prendere corpo l’idea di una riapertura periodica per far rivivere questo luogo e per manterne la memoria. Nel 2008 viene allestita una mostra di disegni di Testori e opere di artisti contemporanei. Segue la prima edizione della mostra “Giorni Felici. 22 artisti in 22 stanze”.

Questa del 2010 è la seconda edizione di una iniziativa che affida le ventidue stanze della casa di ad altrettanti artisti giovani e meno giovani, in una rassegna trasversale di pittura, scultura, video, installazione e performance, mirando a creare un forte legame fra opera e spazio espositivo, la casa. In alcuni esempi le stanze accolgono quadri e sculture, in altri casile stanze diventano esse stesse installazioni : lo spazio disabitato torna a vivere, Casa Testori diventa una Kunsthaus.

All’ingresso il visitatore è accolto dal’opera del giovane Micheal S.Lee: la Città che non c’è.

Enzo Cucchi, maestro della Transavanguardia, per il quale il critico milanese realizzò tre libri d’arte espone nel salone, 12 litografie e una grande tela.

Alessandro Verdi, uno dei talenti lanciati da Testori all’inizio degli anni ’80, espone i suoi acquerelli, lungo la scala, mentre in cima il più giovane, Giovanni Vitali, appende un grande acrilico stile collage contenente i miti della sua adolescenza.

L’ultimo lavoro di Pippa Bacca, uccisa due anni fa durante un viaggio-performance in Turchia è in cucina: la reinterpretazione dei personaggi del Ponte della Ghisolfa, mentre l’ultimo testo teatrale, "Cleopatras", è recitato da Arianna Scommegna, in un video e nei costumi di scena appesi nella stanza da bagno.

Il decano, Turi Simeti di cui il salottino accanto all'ingresso ospita tre "quadri bianchi", mentre nella stanza adiacente Yi Zhou propone il suo video sull’epoca virtuale.

Una grande scultura di Gianni Dessì. In veranda, le piccole miniature incorniciate e le due gigantografie della trentenne fotografa tedesca Julia Khran. Armin Linke fotografa polemicamente la "Chiesa di vetro" di Baranzate degli architetti Mangiarotti e Morassutti, costruita negli anni '50.

Umberto Chiodi propone un opera site specific come anche Elena Monzo che oltre a grandi quadri tridimensionali realizza una vera istallazione su pavimento e pareti. L’inquietante acquasantiera di Diamante Faraldo strizza l’occhio alla triste attualità, mentre Emanuele Dottori fa un omaggio alla Stazione Centrale di Milano con i suoi acquerelli e il suo grande collage fotografico. L’egiziano Youssef Nabil propone immagini fotografice del mondo del cinema anni ’50 del suo paese, proprio accanto alla camera da letto in cui il duo J&PEG, propongono un mix di installazione e fotografie.

Davide Nido canta l’estate e i suoi colori con quadri che scompongono anche sul pavimento divenendo istallazione, ed Andrea Mastrovito racconta il ciclo della vita attraverso la rappresentazione dei sette giorni della settimana. Di fronte Mario Della Vedova e le sue tele con scritte al neon. Sorprende e sconvolge la camera da letto del secondo con le valigie originali di Rossella Roli ed il loro inquietante antico, e allo stesso tempo attuale, bagaglio.

In terrazza il grande maestro Alessandro Mendini, espone una versione in bronzo da 160 chili della sua celeberrima "Poltrona di Proust". In giardino infine ‘fioriscono’ le sculture in acciaio di Sergio Fermariello, il ‘ventitreesimo’, accanto alle "Rose Testori", delicato omaggio di un vivaista tedesco al Testori pittore e al suo soggetto preferito.

24 giugno - 11 luglio 2010
Giorni felici a Casa Testori 2010 - 22 artisti in 22 stanze

Casa Testori
Largo Testori, 13 - 20026 Novate Milanese (MI)

Info: tel. +39 02552298375 - info@associazionetestori.it - www.associazionetestori.it

Il progetto iniziale, supportato economicamente da un comitato italiano di solidarietà, prevedeva l'acquisto di un terreno e la costruzione di un refettorio. Questa prima parte del progetto si è potuta realizzare solo parzialmente, in quanto si è scontrata con la difficile realtà dell'insufficienza del denaro e della totale mancanza di appoggi da parte delle autorità locali.

Così, ad oggi è stato possibile solo l'acquisto del terreno, intestato all'Associazione degli Abitanti di Porto Do Sauipe. Ma la volontà e la necessità di migliorare le condizioni di vita di questi bambini non hanno fermato l'associazione degli abitanti di Porto, che unendo la determinazione di alcuni genitori alla disponibilità di commercianti, artigiani e nuovi residenti, ha affittato una casa ed è riuscita a dare vita ad un asilo.

Il primo anno di attività ha permesso di capire quanto fosse prioritario il funzionamento della struttura soprattutto per stimolare ed incoraggiare chi partecipa attivamente al suo interno. Solo con il riscontro diretto di bambini che quotidianamente vivono in una struttura organizzata che si occupa di loro, sia da un punto di vista alimentare che socio-pedagogico, si può continuare a lavorare e a credere in un futuro migliore per queste comunità che, differentemente da noi, hanno avuto solo la sfortuna di nascere in un luogo che da sempre è stato o dimenticato o sfruttato da noi abitanti del cosidetto mondo civilizzato.

Ma gli spazi che attualmente la scuola occupa, sono angusti e inadeguati (aule troppo piccole, bagni insufficienti, spazi comuni sottodimensionati).
Più volte le autorità locali e privati che operano nella zona hanno promesso di reperire nuovi spazi ma fino ad oggi nulla è cambiato.

Il sogno, il vero sogno di questo progetto è ora quello di poter avere una sede propria e diventare quindi una vera scuola, costruita con criteri adeguati alla sua funzione e dove finalmente i bambini abbiano non solo metodi didattici ed insegnamenti adeguati, ma anche un luogo fisico proprio ed appropriato dove poter liberare tutte quelle energie che i bimbi hanno necessità di esprimere.

L'Associazione Progetto Meninos do Porto ONLUS si stà prodigando per la raccolta dei fondi necessari a tale scopo e per rendere questo sogno realtà.
Se volete contribuire alla realizzazione del sogno potete inviare

un bonifico (IBAN: IT49Q0306909581000000676210)
o utilizzare un bollettino postale (C.C. POSTALE N. 51619252)

intestandolo a "Associazione Progetto Meninos do Porto ONLUS" - Via Sebenico, 28 -  Milano

È anche possibile destinare il 5 per mille dell'imposta sul reddito delle persone fisiche indicando nell'apposita casella della dichiarazione dei redditti il codice fiscale dell'associazione: 03874870961

Per maggiori informazioni potete telefonare al numero +39 02.29.52.99.23
o inviare un fax al numero +39 02.29.52.99.27 oppure
una email a info@meninosdoporto.com

Proponendo questo progetto, Marcello Morandini ha voluto per la prima volta coinvolgere più forze culturali attive sul territorio e sottolineare in questo modo lo spirito e il valore progettuale che dovrebbero avere le future edizioni di “ARTPARTY”.

La mostra ha come tema la “sfera” intesa come luogo, dimensione, materiale o spirituale, fisica, ecc. secondo l’interpretazione che ogni partecipante vorrà dare.

La sfera è un gioco rimbalzante equiperimetrico difficilmente fermo, è la forma ideale per ogni corpo che prema dal suo interno, è delimitata dalle orbite degli elettroni, è un frutto nel cui interno la geometria frattale ne costruisce le parti, è una membrana e un vuoto, è un pieno non contenuto, è la visione comune di spazio.

La sfera è il luogo della Madre Terra, rappresenta l’ordine costituito dalle forze gravitazionali in miliardi di anni dopo l’ipotesi della grande esplosione primordiale, è un luogo geometrico in cui tutti i punti che ne definiscono la superficie hanno una comunione di equidistanza dal centro, è un racconto che intreccia infinite storie circolari, è una poesia che ci permette di ritrovare la nostra unità nella molteplicità infinita dei punti, è un’immagine che ridefinisce uno spazio bidimensionale esplodendolo in uno sferico, è un’architettura che non ha fondamenta, non appartiene a un luogo, è in costante movimento… o tutto il contrario di ciò.

Dal 27 Marzo al 6 Giugno 2010

Museo d’Arte Moderna e Contemporanea - Castello di Masnago - Varese
Via Cola di Rienzo 42, tel. 0332 820409 musei.masnago@comune.varese.it

Questo video è stato realizzato in collaborazione con:
Led engineers (Palermo) - Alessio Algeri

Questa intervista è stata realizzata in occasione della firma del rinnovo del protocollo con la Asl 6 di Palermo che concede, per altri cinque anni, gli spazi alla sede del Poliambulatorio di Emergency a Palermo, dietro il pagamento di un canone simbolico.

Gino Strada è nato a Milano dove si è laureato in medicina con la specializzazione in chirurgia d'urgenza. È diventato chirurgo di guerra prima lavorando con la Croce Rossa Internazionale e poi creando, nel 1994, un'associazione a favore delle vittime delle guerre civili: Emergency.

L'obiettivo dell'organizzazione è fornire assistenza alle vittime civili dei conflitti, menomate da ordigni bellici come le mine antiuomo, afflitte dalla malnutrizione e da mancanza di cure mediche. Inoltre Emergency si propone di addestrare il personale locale a far fronte alle necessità mediche, chirurgiche e riabilitative più urgenti e di diffondere una cultura di pace.

Emergency è una ONG, senza discriminazione politica, ideologica o religiosa, aperta a tutti coloro che ne condividono i principi e gli obiettivi e ne sostengono le attività umanitarie.

Emergency si dichiara neutrale rispetto alle parti in causa di qualsiasi conflitto: tutti hanno diritto a cure qualificate e gratuite. l'ONG è presente in Cambogia, Afganistan, Iraq, Sierra Leone, dove ha costruito e gestito ospedali per i feriti di guerra e per emergenze chirurgiche, centri per la riabilitazione fisica e sociale delle vittime di mine antiuomo e altri traumi di guerra, un centro per la maternità, posti di primo soccorso per il trattamento immediato dei feriti, centri sanitari per l'assistenza medica di base.

In Sudan ha aperto il Centro Salam di cardiochirurgia: un centro regionale che fornisce assistenza specializzata a pazienti affetti da malformazioni e patologie cardiache ai pazienti del Sudan e dei nove paesi confinanti.

Nel 2008, insieme ad alcuni paesi africani, Emergency ha elaborato il Manifesto per una medicina basata sui diritti umani per rivendicare una sanità basata sull'equità, sulla qualità e sulla responsabilità sociale.

I testi presenti nel video sono tratti da:
- Manifesto per una medicina basata sui diritti umani
- Dichiarazione universale dei diritti dell'uomo
- Costituzione della Repubblica Italiana
- Emergency Report 1994-2008

Attore, regista, assistente alla regia sia in lirica che in prosa, mimo in opere liriche, ha lavorato in diverse produzioni con Michele Perriera, Filippo Crivelli, Sandro Sequi, Roberta Torre, Pier Francesco Mastrini, Salvo Tessitore,
Massimo Verdastro, Fabio Sparvoli. Sue le regie di:"Il Killer Disney" di P.Ridley (Teatro Teates); "Interferenze" da A. Bennett (M'Arte), Lisciannira di A. Pezzullo (Trimotria) "La casa dalle porte rosse" (Teatrinstabili).Come attore ha partecipato a "I Pavoni", testo e regia di Michele Perriera (Teatro Biondo-Festival sul '900); ha lavorato come mimo.
Con Alessandra Fazzino firma la regia degli spettacoli "Lux et tenebrae" (sostenuto anche dal D.B.M Dance Bassin Mediterranee), e "Come campi da arare" Premio scenario 2003.
È direttore artistico, insieme a Clara Gebbia, della rassegna di Teatro Contemporaneo "Quinte(S)senza" ai Candelai di Palermo,ed è ideatore e direttore artistico del Festival Artistiperalcamo giunto già alla quarta edizione.
Suoi i progetti di SALDI DI FINE STAGIONE, che riunisce in un'unica serata circa 70 artisti, appuntamento annuale che si tiene ai Candelai, come festa di fine stagione della rassegna Quinte(S)senza; e il progetto BAND'HIT!, serata di musica con la Banda Maestro Gabriele Asaro di Paceco, diretta da Roy Paci in cui si sono esibiti tra gli altri, Antonella Ruggiero, Mario Venuti, Agricantus, i Negrita, Gianni Gebbia, i Fratelli Mancuso, andata in scena ad Alcamo per il festival AxA2005.

Sabrina Petyx
Diplomata attrice presso la scuola di Teatro Teates di Palermo, diretta da Michele  Perriera. Frequenta corsi di perfezionamento con da L. de Berardinis, G. Albertazzi, R. Bianchi, T. Salmon, M. D'Amburgo. Logopedista.
Come attrice partecipa a numerosi spettacoli con la regia di M.Perriera, tra cui "I Fisici", "Il Bicchiere della staffa", "Anticamera", "Morte per vanto" (tutti prod. Teates), "I Pavoni" (Teatro Biondo-Festival sul '900).Sotto la direzione di T. Salmon partecipa a "L'assalto al cielo" di R. Molinari. Lavora anche con E. Dante, G. Cutino, G. Borruso, L. Nattino.
Nel 2000 vince il Premio Vucciria con il racconto "Vietato Tuffarsi" pubblicato nella raccolta Trasgressori da Malatempora; comincia a scrivere per il teatro. Vedono la messa in scena: "L'arringa" , tratto dal racconto "La panne " di F. Durenmatt regia Emma Dante (Sud costa occidentale), "Soda Caustica" e "In sua assenza" regia di G. Cutino (M'Arte). Firma per  M'Arte la regia dei suoi testi: "Vietato Tuffarsi", tratto dall'omonimo racconto e "Deposito Bagagli" (menzione speciale a Enzimi 2003).
Nel 2003 vince con la Compagnia il premio Scenario con lo spettacolo "Come campi da arare" di cui e autrice del testo e interprete. L'ultimo suo testo teatrale, "Volevo dirti" per la regia di G.Cutino, e andato in scena in prima nazionale al Politeama di Cascina, all'interno del festival Metamorfosi, organizzato da La città del Teatro.

L'artista espone opere incentrate sulla dialettica natura-tecnologia, un tema che ha contraddistinto l'operare di Jannini a partire dalla sua partecipazione alla Biennale di Venezia del 1990.
Dopo la recentissima antologica al Castel dell'Ovo di Napoli, nel novembre 2008, Jannini si presenta al pubblico piemontese con immagini dal forte impatto emotivo e concettuale.
Saranno visibili opere sul tema della natura, come la frutta al microchip, le migrazioni nostalgiche di limoni e di turgidi pomodori, la cui polpa interna è invasa dalle schede elettroniche dei nostri computer - l'hardware che l'artista coniuga nei modi più disparati - facendolo assurgere a simbolo della nostra condizione di uomini compressi nell'alveo della tecnoscienza.
Nell'esposizione, che si avvale della curatela e del pensiero critico di Viana Conti, saranno presenti opere intrise di una sottile ironia che evidenziano, simbolicamente, la necessità di spostare il baricentro freddo della nostra società cognitiva e postindustriale sul versante caldo delle emozioni e degli incontri autentici; un invito a riconquistare la profondità del sentire attraverso l'esercizio dello sguardo interiore dell'artista che, con la sua peculiare sensibilità, attraversa il gran mercato delle idee, dei cosiddetti intangibles, ma anche delle merci e di tutto ciò che ruota attorno al nucleo della new economy. Come dire: uno sguardo sulla complessità, sul volto ambivalente della realtà che si va facendo quotidianamente davanti ai nostri occhi. Come afferma Jannini in Equilibridi "L'artista è colui che abita un linguaggio simbolico e lo percorre in maniera rigorosa: egli è il garante di questa tensione spirituale. È un visionario che gode e patisce del suo immaginario, sempre pronto ad inseguire gli angeli e a volte a sospendersi su di un abisso."

Gran Mercato - Ernesto Jannini espone dal 6 marzo el 24 aprile 2010
presso la Galleria Silvy Bassanese  - Via Galileo Galilei, 45 - Biella

Palermitano, nato il 7 gennaio 1972, Franzella si forma al liceo artistico della sua città, per poi indirizzarsi più selettivamente verso la letteratura disegnata frequentando la Scuola del Fumetto di Milano. Esordisce sulle pagine di una rivista amatoriale palermitana, illustrandone numerose copertine e, saltuariamente, svolge progetti grafici presso un'agenzia pubblicitaria. Viene scoperto da Michele Pepe, all'epoca art director della Sergio Bonelli Editore, al quale sottopone alcuni suoi lavori. Grazie alle peculiarità espressive del suo tratto, viene notato per il suo segno da Claudio Chiaverotti, che lo vuole nello staff di disegnatori per Brendon una nuova serie fantasy post-apocalittica di imminente uscita. Esordisce così nel 1998 per la Sergio Bonelli con "Lacrima di Tenebra", secondo episodio della saga, storia per la quale ottiene dei riconoscimenti. La sua collaborazione su Brendon continua tutt'ora.

Dal 2004 è docente presso la scuola del Fumetto di Palermo

Principali premi e riconoscimenti

• Premio di giuria "Rino Albertarelli", Reggio Emilia 1999 (ANAFI)
• Premio Fumo di China "miglior esordiente" 1999

CARLO SINI
È stato titolare della cattedra di Filosofia Teoretica presso l'Università Statale di Milano dal 1976 al 2009. È membro dell'Accademia dei Lincei e dell'Institut International de Philosophie di Parigi. Di formazione fenomenologica, ha introdotto in Italia lo studio del pensiero pragmatista americano per poi sviluppare la sua ricerca prevalentemente attorno alle filosofie di Peirce ed Heidegger, nel tentativo di far convergere, sul filo dell'ermeneutica, il pensiero di questi. La sua proposta teoretica si è analogamente concentrata sul tema della scrittura e del segno come forme logiche del pensiero occidentale. Tra le sue numerose opere si ricordano in particolare: Il pragmatismo americano (1972); Immagini di verità. Dal segno al simbolo (1985); Teoria e pratica del foglio - mondo (1997); Idoli della conoscenza (2000); Figure dell'enciclopedia filosofica (2004-2005); Eracle al bivio. Semiotica e filosofia (2007) e L'uomo, la macchina e l'automa: lavoro e conoscenza tra futuro prossimo e passato remoto (2009). 

Umberto Curi nel suo ultimo saggio sostiene il principio della duplicità insito nell' individuo, una originaria compresenza di bene e male che dirige ogni percorso vitale, con o senza la presenza di Dio. E da tale coincidentia oppositorum la condizione umana si rivela precaria, intrigante, carica di mistero e inevitabilmente priva di una pur ridotta felicità. Solo se soffri, sai e così trovi l'antidoto. Ma anche il pharmakon, il rimedio è ingannevole, una dolce illusione. Il mistero, entro cui l'essere umano é intrappolato, non permette soluzione. Come si fa a sciogliere quei nodi così intrigati che trattengono le fila della vita? Forse con uno sguardo più profondo ai testi classici e a quelli biblici, che non differiscono moltissimo quando asseriscono che la sofferenza pervade la vita dell'uomo.

UMBERTO CURI
È professore ordinario di Storia della Filosofia presso l'Università di Padova. Ha diretto per oltre vent'anni la fondazione culturale "Istituto Gramsci Veneto" ed è stato per un decennio membro del consiglio direttivo della biennale di Venezia. Nella sua attività di ricerca si possono individuare tre ambiti prevalenti di indagine: la riflessione sul nesso politica - guerra e l'analisi della nozione teoretica di polemos in una linea di congiunzione che collega tra loro Eraclito ed Heidegger; la valorizzazione della narrazione, intesa sia come mythos sia come opera cinematografica ed infine la meditazione su alcuni temi fondamentali dell' interrogazione filosofica, quali l'amore, la morte, il dolore ed il destino.
Le sue opere principali sono: Polemos. Filosofia come guerra (2000); Lo schermo del pensiero. Cinema e filosofia (2000); Meglio non essere mai nati. La condizione umana tra Eschilo e Nietzsche (2008).

In rapporto al tema dell'identità nel tempo, è interessante rilevare come nella vita quotidiana la nostra condotta sia volta a consolidare l'identità creando relazioni stabili entro cerchie sociali, cerchie che ci prestano un riconoscimento. Nel caso del jazzista si assiste ad una condotta asimmetrica: chi improvvisa cerca di rimandare il compimento della propria identità.

La trasformazione delle convenzioni esistenti, è un aspetto costitutivo dei mondi dell'arte. Nel jazz però, essendo una forma d'arte basata sulla pratica dell'improvvisazione, ciò si estremizza.

L'improvvisazione, nel jazz, ha a che fare con la dimensione inventiva, o comunque con il far nascere qualcosa di nuovo: esige l'originalità, la differenziazione di quello che emerge nel corso della performance da quanto suonato in precedenza, chiamiamolo il potere di sorprendere. Chi improvvisa deve distinguersi sia dagli altri musicisti sia anche dai suoi sé precedente. Impresa non solo difficile, ma che espone alla minaccia dell'irriconoscibilità. Nelle parole dello scrittore Ralph Ellison: "Esiste (...) una contraddizione crudele implicita nella stessa forma artistica: il jazzista deve perdere la sua identità anche mentre la trova".

Il jazzista che improvvisa si trova esposto a due rischi. Da una parte quello di fallire nel trovare l'originalità, ossia il rischio della stagnazione, l'essere condannato a restare identico a se stesso. Il secondo rischio è che nel caso in cui l'improvvisazione risulta innovativa e spiazzante, si perde il riconoscimento di un uditorio che non si ritrova nei suoni che ascolta. Che è poi - nella sua forma estrema -, il rischio dell'isolamento (della follia). Come convivere con questi due rischi mutuamente esclusivi?

MASSIMO DONÀ
È professore ordinario di Filosofia Teoretica presso l’ Università Vita - Salute San Raffaele di Milano. La sua ricerca, sovente condotta in collaborazione con Cacciari, si è concentrata prevalentemente su questioni di carattere estetico. In qualità di musicista, invece, ha sviluppato un linguaggio nel quale entrano in gioco elementi tratti dalla musica rock e da esperienze etniche mutuate da varie collaborazioni con musicisti internazionali. Fa parte del Massimo Donà Quintet, con il quale si esibisce in Italia e all’estero.

Tra le sue opere filosofiche principali si ricordano: Arte, tragedia, tecnica (2000); Filosofia del vino (2003); Filosofia della musica (2006) e Arte e filosofia (2007).

EDOARDO BONCINELLI
Laureato in fisica presso l'università di Firenze ma ha lavorato prevalentemente nel mondo della genetica.
È stato direttore del Laboratorio di Biologia Molecolare dello Sviluppo presso l’Istituto Scientifico dell’Ospedale San Raffaele di Milano e Direttore di Ricerca presso il Centro per lo Studio della Farmacologia Cellulare e Molecolare del CNR della medesima città, e direttore della SISSA, Scuola Internazionale Superiore di Studi Avanzati di Trieste.
Ha dedicato molti anni allo studio dei geni che regolano la disposizione e la formazione delle varie parti del corpo, ottenendo risultati apprezzati in tutto il mondo.

Le sue pubblicazioni però investono anche problemi di epistemologia, filosofia della scienza ed etica. Le principali in quest’ ambito sono: Il cervello, la mente e l’anima (1999); Verso l’immortalità? (2005); Tempo delle cose, tempo della vita e tempo dell’anima (2006); Il male: storia naturale e sociale della sofferenza (2007).

Il territorio dei Nebrodi (esteso su oltre 85mila ettari nella Sicilia nord orientale) è caratterizzato da diverse caratteristiche che lo rendono unico. Vi è il grande patrimonio ambientale, caratterizzato da estese zone boschive, da montagne, colline, laghi, torrenti, animali selvatici. Un vasto territorio unico, soprattutto considerando la latitudine, che si caratterizza come il polmone verde più a sud d'Europa. All'interno di questo territorio sono presenti tantissimi paesi, borghi, contrade, abitati da persone che a questo territorio sono sempre stati intimamente legati e dove hanno intrapreso le loro attività lavorative, artigianali, artistiche.

Nel corso dei secoli il legame intimo che si è stabilito tra l'ambiente dei Nebrodi ed i suoi abitanti, ci ha tramandato fino ai nostri giorni una ricchissima varietà di prodotti, culture, tradizioni popolari che testimoniano come questo legame sia ancora vivo. Per secoli questo fluire di esperienze, di storia, di tradizioni, si è trasferito dai padri ai figli, dai nonni ai nipoti, di generazione in generazione, grazie al grande valore della testimonianza, della partecipazione, dell'essere parte di una comunità che si riconosceva ancor di più nei momenti che durante l'anno venivano scanditi da feste religiose, pagane, propiziatorie. Appuntamenti che segnavano il rinnovarsi delle stagioni, dei riti, e che avevano tutti come fattore comune il cooperare della comunità  per affrontare insieme la buona o la cattiva sorte, il divertimento ed il dolore, la religiosità e la laicità.

Oggi però si corre il rischio che questa consapevolezza dell'appartenere ad una comunità così radicata nella storia e nelle tradizioni popolari venga dispersa. Infatti si è affievolito il tramandarsi della conoscenza e delle tradizioni da genitori a figli, da nonni a nipoti, dagli appartenenti alla comunità verso le nuove generazioni. Occorre, allora, intervenire con iniziative volte sia a ricostruire la memoria storica sia a sensibilizzare le nuove generazioni alla conoscenza ed al recupero delle tradizioni storiche e popolari del territorio dei Nebrodi.

Il mugnaio è tratto dalla prima puntata di "Ciauli ...in giro per i Nebrodi", una serie di documentari dedicata alla riscoperta dei luoghi e delle tradizioni del territorio dei Nebrodi, realizzata TWF.IT

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Progetto Ciauli

Il territorio dei Nebrodi (esteso su oltre 85mila ettari nella Sicilia nord orientale) è caratterizzato da diverse caratteristiche che lo rendono unico. Vi è il grande patrimonio ambientale, caratterizzato da estese zone boschive, da montagne, colline, laghi, torrenti, animali selvatici. Un vasto territorio unico, soprattutto considerando la latitudine, che si caratterizza come il polmone verde più a sud d'Europa. All'interno di questo territorio sono presenti tantissimi paesi, borghi, contrade, abitati da persone che a questo territorio sono sempre stati intimamente legati e dove hanno intrapreso le loro attività lavorative, artigianali, artistiche.

Nel corso dei secoli il legame intimo che si è stabilito tra l'ambiente dei Nebrodi ed i suoi abitanti, ci ha tramandato fino ai nostri giorni una ricchissima varietà di prodotti, culture, tradizioni popolari che testimoniano come questo legame sia ancora vivo. Per secoli questo fluire di esperienze, di storia, di tradizioni, si è trasferito dai padri ai figli, dai nonni ai nipoti, di generazione in generazione, grazie al grande valore della testimonianza, della partecipazione, dell'essere parte di una comunità che si riconosceva ancor di più nei momenti che durante l'anno venivano scanditi da feste religiose, pagane, propiziatorie. Appuntamenti che segnavano il rinnovarsi delle stagioni, dei riti, e che avevano tutti come fattore comune il cooperare della comunità  per affrontare insieme la buona o la cattiva sorte, il divertimento ed il dolore, la religiosità e la laicità.

Oggi però si corre il rischio che questa consapevolezza dell'appartenere ad una comunità così radicata nella storia e nelle tradizioni popolari venga dispersa. Infatti si è affievolito il tramandarsi della conoscenza e delle tradizioni da genitori a figli, da nonni a nipoti, dagli appartenenti alla comunità verso le nuove generazioni. Occorre, allora, intervenire con iniziative volte sia a ricostruire la memoria storica sia a sensibilizzare le nuove generazioni alla conoscenza ed al recupero delle tradizioni storiche e popolari del territorio dei Nebrodi.

Don Ciccino è tratto dalla prima puntata di "Ciauli ...in giro per i Nebrodi", una serie di documentari dedicata alla riscoperta dei luoghi e delle tradizioni del territorio dei Nebrodi, realizzata TWF.IT

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Progetto Ciauli

La Fabbrica del Sole, nata nel 2000, ha una lunga storia di impegno nelle discipline tecnico-scientifiche applicate all'ecologia.

A partire dal 2002 la FdS ha realizzato il Progetto Idrogeno per Arezzo che ha portato oggi alla realizzazione del primo idrogenodotto al mondo in area urbana.

Per farlo, ha creato HydroLab, un laboratorio per il monitoraggio dell'idrogenodotto, per la ricerca e sviluppo delle energie rinnovabili e l'idrogeno; realtà completamente autosufficiente dal punto di vista energetico: una struttura off-grid a tutti gli effetti.

In questa prospettiva ciascuno può produrre nel suo piccolo la propria energia senza la necessità di grandi centrali (atomiche o non atomiche) e conseguenti grandi elettrodotti su piloni esteticamente discutibili: è un concetto forte, chiaro e a tutela del paesaggio e dei territori.

La produzione "distribuita" di energia, inoltre, rende il sistema molto meno soggetto a guasti, sabotaggi, "attacchi terroristici" e black out... la cosiddetta "sicurezza energetica".

È così possibile accumulare energia e di usarlo come gas in sostituzione di metano, GPL e altri gas tecnici industriali.

Dal sole e dalla pioggia si ottiene un gas, l'idrogeno, che può saldare l'oro o essere utile in una miriade di applicazioni industriali, può alimentare i fornelli delle case, può produrre energia con i generatori a fuel cells ed essere il combustibile pulito per camion e automobili.

Il tutto a zero emissioni e senza grandi opere, elettrodotti, centrali o altro. Solo dei pannelli solari collocati sopra i tetti.

Dal punto di vista della progettazione architettonica l'edificio off-grid è un progetto dello Studio Mario Cucinella, che lo ha pensato come un edificio capace di restituire il senso di piacere dell'abitazione e ripagare il costo dell'investimento con l'energia che è in grado di autoprodurre.

Il contenimento dei costi di realizzazione è affidato all'impiego di prefabbricazione leggera e flessibile: elementi strutturali, apparati tecnici, attrezzature mobili come pareti/pannelli scorrevoli-smontabili-curvabili per la divisione interna degli alloggi; - sistemi di chiusura o tamponamenti monoblocco fatti di componenti sostituibili che possano diversificare l'aspetto esterno, ma anche garantire un'estensione di quello interno (balconi, terrazzini, logge, eccetera).

Grazie all'impiantistica integrata architettonicamente, all'utilizzo di superfici captanti energia solare per i mesi invernali, circolazione interna dell'aria per quelli estivi, e a tutte le strategie passive adottabili per rendere l'edificio una macchina bioclimatica. Il tutto inserito in un framework che costituisca l'ossatura base non invasiva di uno schema aggregativo di abitazioni monofamiliari. Si arriva così al risultato di una casa componibile che consente di liberare progetti, aspirazioni e stili abitativi diversi.

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la fabbrica del sole
Studio Mario Cucinella Architects

Nico ama Maria ma è molto preso dal lavoro che lo porta, trascurando la fidanzata, nelle città italiane dove l’amianto ha seminato la morte, i dati parlano di 3.700 deceduti in quindici anni, e sono previsti 30.000 morti entro il 2030.

E così ritroviamo Nico in luoghi come Casale Monferrato (AL), dove c’è stata la ETERNIT, in cui si fabbricava per l’appunto l’eternit, dal latino aeternitas, eternità, un miscuglio di cemento e amianto, che costa poco, è lavorabile con molta facilità, è altamente isolante dal freddo e dal fuoco ed è stato usato per le coperture delle case e dei capannoni, per fabbricare tubature idriche ecc.; Monfalcone (GO), dove si fabbricano navi coibendate  con l’amianto;  Balangero (TO), dove c’è la più grande cava di amianto di tutta Europa;  Biancavilla (CT), una cittadina di 23mila abitanti, circondata da rocce ricche di amianto e Sesto San Giovanni (MI), dove grandi fabbriche quali la Breda, la Falk, la Magneti Marelli, hanno utilizzato l’amianto dagli inizi del Novecento.

Ed è proprio a Sesto San Giovanni che Nico vive con il padre Giambattista, operaio alla Breda fucine, reparto saldatura, dove si è avuto a che fare con l’amianto fino al 1992, anno in cui lo Stato italiano, con un apposita legge, ne ha vietato l’utilizzazione e l’estrazione. Le Istituzioni italiane, con il caso amianto, fanno parlare del “paese della vergogna” perché, mettendo al bando l’amianto solo nel 1992, hanno fatto finta di non sapere, ciò di cui tutti erano a conoscenza sin dal 1898, che l’amianto fosse altamente cancerogeno.

È tale l’amore che Rosa ha per lui che, nel tentativo di avvicinarlo di più, comincia a girare anche lei alla ricerca di materiale sull’amianto. E così la ritroviamo a Milano, a casa di Mantovani, il siparista del Teatro alla Scala di Milano che ha un cancro ai polmoni provocatogli proprio dal sipario taglia fuoco, costruito in amianto, che divideva la platea dal palcoscenico.

Grazie all’aiuto che Maria dà a Nico il rapporto si arricchisce e diventa più solido, e quando poi il padre di Nico scoprirà di avere un cancro per aver inalato fibre di amianto in Breda, il loro amore diventa forte come una roccia.

Ma saranno proprio queste ricerche a portare alla coppia molto dolore…

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Amianto - cos'è
Breda Fucine
Breda Fucine
Acciaierie Falck

Eternit - cos'è
Eternit

Ulderico Pesce
Definito dalla critica italiana: “esponente di spicco della nuova generazione dei narratori teatrali italiani”, è nato in Lucania ed ha quaranta anni. Allievo dell’Accademia di Teatro di Mosca diretta da Anatoli Vassilev, ha lavorato come attore con Luca Ronconi, Carmelo Bene, Giorgio Albertazzi, Giancarlo Sbragia, Gabriele Lavia e altri. Ha partecipato a vari progetti internazionali (Mosca-Roma: Ciascuno a suo modo di Pirandello per la regia di Vassilev, con il Teatro di Roma, l’Accademia teatrale di Mosca e l’Università “La Sapienza di Roma”; Berlino: Capitan Ulisse di Savinio per la regia di Erik Baranowski, con le Università di Berlino e di Parma). Ha messo in scena Diario Ottuso di Amelia Rosselli, (parte del lavoro è andato in onda a Blob Fuori orario, Rai 3), Novecento di Alessandro Baricco e Levi Carlo Graziadio, scritto con Giovanni Russo. Successivamente ha scritto e diretto Contadini del Sud, tratto dall’opera di Rocco Scotellaro e Amelia Rosselli, con il quale ha partecipato a festivals in Australia, Argentina, Brasile, Uruguay, Cile, Colombia, Venezuela, Francia e Svizzera. Questo spettacolo, andato in onda su Rai Sat album, è stato definito da Franco Cordelli, sul Corriere della Sera: “Lo spettacolo più sorprendente della stagione teatrale”. Nel 2003 Pesce ha scritto e diretto L’innaffiatore del cervello dell’anarchico Passannante, con il quale ha partecipato al Festival Internazionale di Teatro di Santarcangelo di Romagna e a festivals in Cile, Argentina e Perù. Ha messo in scena inoltre Storie di Scorie, il pericolo nucleare italiano.

Un teatro, il suo, che piace. Piace perché è uno sguardo utile e onesto su questo paese, sulle sue menzogne, sulle troppe vergogne archiviate in fretta. Piace perché racconta, affabula, ricorda, stupisce e insegna.

Ha firmato le seguenti regie teatrali:
- La libellula di Amelia Rosselli;
- L’apparizione di Elsie di Aldo Rosselli;
- Diario Ottuso di Amelia Rosselli;
- Il Castello di Carta di Ulderico Pesce;
- Il contrabbasso di P. Suskind;
- La macchina della felicità di A. Di Stefano;
- Novecento di Alessandro Baricco.
- Contadini del Sud da Rocco Scotellaro e Amelia Rosselli
- Viaggio nel tempo della Rivoluzione Partenopea di Ulderico Pesce
- Levi Carlo Graziadio 15 luglio 1935 di Giovanni Russo e Ulderico Pesce
- Hagar: Federico II tra Oriente e Occidente di Ulderico Pesce
- L’innaffiatore del cervello di Passannante di Ulderico Pesce
-Storie di scorie: il pericolo nucleare italiano di Ulderico Pesce
- FIATo sul collo: la lotta degli operai Fiat di Melfi di Ulderico Pesce con cui ha vinto il Premio Riccione Teatro 2005 sez. Marisa Fabbri

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Ulderico Pesce  

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Amianto
Legge 257 del 27 marzo 1992
Primo Levi - Sistema Periodico - Nichel

Sito Bradipolibri

McCall inizia a lavorare con film e performance nei primi anni '70, cominciando con una serie di performance all'aperto e servendosi del fuoco come materiale scultoreo, visibile per esempio nell'opera intitolata Landscape for Fire (1972). L'artista può inoltre essere considerato uno dei più importanti rappresentanti del cinema 'avant-garde' londinese degl'anni '70.

Ha ideato il suo primo Solid Light Film nel 1973 con Line Describing a Cone, film in 16mm Pensando alla meccanica di proiezione dei film, nota che il fascio di luce ha una presenza tridimensionale la quale viene poi riversata sullo schermo bidimensionale dove le immagini si formano. Queste opere sono infatti semplici proiezioni che danno risalto in maniera sconvolgente alle qualità scultoree e volumetriche di un fascio luminoso. Negli spazi scuriti e riempiti di foschia, le proiezioni generano un'illusione di figure astratte tridimensionali, degli ellissi, delle onde e delle superfici piane che gradualmente si espandono, si contraggono o accarezzano lo spazio - come pareti architettoniche effimere. In queste installazioni, McCall scompone lo strumento cinematografo riducendo la pellicola alle parziali componenti temporali e visive, rimuovendo interamente lo schermo come la superficie prescritta per la proiezione. Le opere inoltre modificano il rapporto tra pubblico e pellicola, trasformando i visitatori in partecipanti, permettendo ai loro corpi di intersecare e modificare le forme transitorie. L'artista ha quindi rielaborato questo primo lavoro con l'ingegnosità del digitale per ottenere opere che si possono posizionare precisamente tra scultura e cinema. Scultura perché le forme occupano lo spazio tridimensionale e come tali possono essere scoperte solo camminando dentro e attorno alle loro 'stanze' traslucide; cinema perché le forme e le 'stanze' sono costruite attraverso luce proiettata, che è essa stessa in movimento, e che lentamente cambia secondo una struttura temporale che si definisce con lo scorrere del tempo.

Prima del 2004 McCall ha utilizzato forme orizzontali. "Ma - spiega l'artista - c'è una grande differenza nel rapportarci ad installazioni verticali e orizzontali: nelle forme orizzontali ci si muove dentro e attorno ogni parte dell'oggetto proiettato e la sorgente di luce è vicina al livello degli occhi; quelle verticali, d'altra parte, si elevano verso l'alto, cinque volte la nostra altezza, perciò lo spettatore si può solo muovere intorno alla parte più bassa della scultura e guarda sopra al tunnel di luce anziché lungo esso. In ambedue i casi, le membrane di luce, insieme alle correnti d'aria disegnano la foschia e la portano ad avvitarsi con un movimento a spirale sino al punto in cui svaniscono nella lente del proiettore."

Un rinnovato interesse nel lavoro di McCall è risultato nell'inclusione delle sue opere in una moltitudine di esposizioni in musei e gallerie a livello internazionale, dei quali si possono citare le seguenti istituzioni: Whitney Museum, New York (2001-02); Kunst, Vienna (2003-04); Tate Britain, Londra (2004); Hayward Gallery, Londra (2004); Museu d'Art Contemporani de Barcelona (2005); Museum für Moderne Kunst, Francoforte (2006); Kunsthaus Zürich, Zurigo (2006); Hamburger Bahnhof, Berlino (2006-07); Hirshhorn Museum, Washington (2008), Museum of Modern Art, New York (2008).

Più recentemente e con grande successo è stata presentata la mostra di indagine itinerante Elements for a Retrospective iniziata al Musée de Rochechouart, Francia (2007) presentata poi alla Serpentine Gallery di Londra (2007-08), e attualmente allo Utzon Center, Aalborg in Danimarca.

Anthony McCall
Biografia

Nato nel Regno Unito nel 1946 e residente a New York dal 1973, Anthony McCall è conosciuto per i suoi solid-light films, una serie di installazioni scultoree che ha cominciato nel 1973 con Line Describing a Cone. Lavori recenti di solid light includono Breath, Between You and I, e You and I, Horizontal.

Negli ultimi anni McCall ha tenuto personali alla Sean Kelly Gallery di New York, alla Serpentine Gallery di Londra, al Centre Pompidou di Parigi, alla Galerie Thomas Zander di Colonia e alla Galerie Martine Aboucaya di Parigi. Il suo lavoro è stato esposto in vari musei incluso il Museum of Modern Art di New York; la Tate di Londra; il Museum für Moderne Kunst di Francoforte, il Centre Pompidou e il Museu d’Art Contemporani di Barcellona.  È stato inoltre rappresentato in esposizioni come Into the Light: the Projected Image in American Art, 1964-77, al Whitney Museum di New York nel 2000-2001; X-Screen: Actions and Installations of the Sixties and Seventies, al Museum Moderner Kunst di Vienna, nel 2003-4; Expanded Cinema: Film as Spectacle, Event and Performance, all’Hartware Medien Kunst Verein di Dortmund, nel 2004; Projections: Beyond Cinematic Space all’Hamburger Bahnhof di Berlino, nel 2006-7; e The Cinema Effect: Illusion, Reality and the Projected Image all’Hirshhorn Museum di Washington DC nel 2008.  

Le pubblicazioni includono la monografia Anthony McCall: The Solid Light Films and Related Works di Branden W. Joseph (Northwestern University Press and New Art Trust, and Steidl, 2005); e Anthony McCall: Elements for a Retrospective di Olivier Michelon (Serpentine Gallery, Musée de Rochechouart, and Monografik Editions, 2007).

La condivisione è il luogo della comunità e la comunità è la polis: luogo dell'uno e del molteplice e figura fondamentale dell'umano. Che ne è oggi di questa figura tradizionale, ma sul punto di oltrepassare definitivamente i confini delle comunità nazionali, delle antiche dottrine etico-religiose e delle più diverse e lontane tradizioni culturali? questi nodi teorici oggi molto dibattuti, consentono di tracciare alcune possibili linee per una futura comunità globale condivisa.

CARLO SINI: insegna Filosofia teoretica nell'Università statale di Milano. Accademico dei Lincei e corrispondente per l'Italia dell'Archivio Husserl di Lovanio, ha tenuto seminari e conferenze negli Stati Uniti, in Canada, in Argentina e in vari paesi europei. Per più di un decennio ha collaborato con le pagine culturali del "Corriere della sera" e collabora tuttora saltuariamente con la stampa, la radio e la televisione italiana e svizzera. È autore di una quarantina di volumi, alcuni dei quali tradotti in varie lingue. Tra i più recenti: "Idoli della conoscenza" (Cortina, Milano 2000); "La scrittura e il debito" (Jaca Book, Milano 2002); "Figure dell'enciclopedia filosofica" (6 voll., ivi, Milano 2004-5); "Archivio Spinoza" (Ghibli, Milano 2005).